Author: Brandon Alsup

ไม่ว่าคุณจะมีความรู้ทางดนตรีหรือไม่ คุณอาจถูกขอให้เขียนเรียงความหรือบทวิเคราะห์เกี่ยวกับเพลงบางชิ้น หากคุณเป็นนักศึกษาดนตรี (Music Major) หรือกำลังคิดจะศึกษาดนตรีในระดับมหาวิทยาลัย จงเตรียมตัวให้พร้อม! งานนี้อาจดูน่าหนักใจ โดยเฉพาะอย่างยิ่งหากเป็นครั้งแรกที่คุณต้องเขียนเกี่ยวกับดนตรี บทความนี้เหมาะสำหรับผู้ที่มีความรู้ทางดนตรีเพียงเล็กน้อยไปจนถึงผู้ที่เคยเรียนหลักสูตร ทฤษฎีดนตรี (Music Theory) มาแล้ว ฉันเชื่อว่าเคล็ดลับ ข้อแนะนำ และทรัพยากรที่ฉันให้ไว้จะเป็นประโยชน์สำหรับทุกคนที่ได้รับมอบหมายงานประเภทนี้ อาจารย์หรืออาจารย์ผู้สอนของคุณอาจให้คำแนะนำเกี่ยวกับสิ่งที่พวกเขาคาดหวังจากงานของคุณ ดังนั้นฉันจะพูดถึงหัวข้อในภาพรวมพร้อมทั้งเสนอแนวคิดของฉันเอง อย่าลืมอ้างอิงถึงข้อกำหนดเฉพาะของงานที่ได้รับมอบหมายเสมอ! การวิเคราะห์ดนตรีควรประกอบด้วยอะไรบ้าง? ก่อนที่เราจะเข้าสู่ขั้นตอนทีละขั้น ฉันขอสรุปสิ่งที่คิดว่า บทวิเคราะห์ดนตรี (Music Analysis Essay) ส่วนใหญ่ควรประกอบด้วย: แล้วคุณจะเริ่มวิเคราะห์ดนตรีอย่างไร? ฉันได้วางขั้นตอนบางอย่างเพื่อช่วยให้คุณเริ่มต้นไว้ด้านล่างนี้ ขั้นตอนที่ 1: ทำความรู้จักกับเพลง ก่อนเริ่มเขียน คุณควรฟังเพลงหลายครั้ง(Before writing, you should listen to the music many times) การฟังแต่ละครั้งควรมีจุดมุ่งหมายที่แตกต่างกัน ฉันแนะนำให้ฟังอย่างน้อย 5 ครั้ง และในแต่ละครั้งควรเน้นสิ่งต่อไปนี้: 1. ฟังและเขียนสิ่งที่เพลงทำให้คุณรู้สึกหรือจินตนาการ 2. ฟังเพื่อสังเกตเครื่องดนตรี (Instrumentation) 3.…

ฉันเริ่มอ่านบทความนี้ด้วยความคิดว่าฉันรู้อยู่แล้วทุกอย่างเกี่ยวกับ I IV V Chord Progression แต่กลับค้นพบสิ่งใหม่ที่ช่วยให้ฉันเข้าใจว่าทำไมมันถึงเป็นการเคลื่อนที่ของคอร์ดที่ทรงพลังในดนตรีโทนัล (Tonal Music) ในดนตรีโทนัล I IV V Chord Progression คือการเรียงลำดับของคอร์ดที่อิงตาม โน้ตตัวที่ 1 (Tonic), ตัวที่ 4 (Subdominant) และ ตัวที่ 5 (Dominant) ในสเกล ตัวอย่างเช่น: การเคลื่อนที่นี้มีโครงสร้างที่ง่ายแต่ทรงพลัง เพราะมันสร้างความสมดุลระหว่างความมั่นคง (Tonic) ความเคลื่อนไหว (Subdominant) และความตึงเครียดที่คลี่คลายได้ (Dominant) ทำให้เป็นรากฐานสำคัญของดนตรีตะวันตก ในบทความนี้ ฉันจะพาคุณไปทำความเข้าใจพื้นฐานของ I IV V Progression พร้อมทั้งเปิดเผยมุมมองที่น่าสนใจเกี่ยวกับเหตุผลว่าทำไมการเคลื่อนที่ของคอร์ดนี้ถึงมีบทบาทสำคัญในดนตรีโทนัล (Tonal Music) มากขนาดนี้ I IV V – ความรู้พื้นฐานที่ควรมี เพื่อที่จะติดตามเนื้อหาในบทความนี้ได้อย่างเข้าใจ คุณจำเป็นต้องมีความรู้เกี่ยวกับแนวคิดพื้นฐานดังต่อไปนี้: การเข้าใจแนวคิดเหล่านี้จะช่วยให้คุณเข้าใจการทำงานของ I IV V…

ในโลกนี้มีสเกลดนตรีหลากหลายชนิด และในบทความนี้ ฉันอยากจะนำเสนอเพียงบางส่วนที่น่าสนใจ ไม่ว่าคุณจะเป็นนักแต่งเพลงสไตล์คลาสสิก (Classical Style Composer) หรือแค่คนที่สนใจในการสร้างสรรค์ดนตรี การเปิดรับสเกลประเภทต่าง ๆ จะช่วยขยายขอบเขตของดนตรีที่คุณสร้างขึ้นได้มากขึ้น เพื่อให้คุณได้รับประโยชน์สูงสุดจากบทความนี้ คุณจำเป็นต้องเข้าใจเรื่อง อินเทอร์วัล (Intervals) ซึ่งหมายถึงช่วงความห่างระหว่างโน้ตสองตัวในดนตรี 7 สเกลดนตรีที่คุณควรรู้ ได้แก่: (The seven scales you should know are:) แน่นอนว่ายังมีสเกลอีกมากมายที่คุณสามารถสำรวจได้ ตั้งแต่ ไมโครโทนสเกล (Microtone Scales) ไปจนถึงสเกลที่พบได้ในธรรมชาติ! แต่หวังว่านี่จะเป็นจุดเริ่มต้นที่ดีในการทำความรู้จักกับสเกลที่คุณอาจไม่ค่อยได้พบในชีวิตประจำวัน นี่คือตารางภาพรวมของสเกลทั้งหมดที่กล่าวถึงในบทความนี้: สเกลโฮลโทน (Whole-Tone Scale) คืออะไร? นี่เป็นสเกลที่เข้าใจได้ง่าย เพราะมันประกอบด้วย โทนเต็ม (Whole Tones) ล้วน ๆ โดยไม่มี ฮาล์ฟสเต็ป (Half-Steps) หรือครึ่งเสียงเลย คุณสามารถพบตัวอย่างมากมายจากนักประพันธ์เพลงที่ใช้สเกลนี้ เนื่องจากสเกลนี้มีโน้ตทั้งหมด 6 ตัว จึงจัดอยู่ในกลุ่มของ เฮกซาโทนิกสเกล…

โยฮันน์ เซบาสเตียน บาค เป็นหนึ่งในคีตกวีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดตลอดกาล ดังนั้นจึงไม่แปลกที่คุณจะได้รับแรงบันดาลใจจากดนตรีของเขา ในบทความนี้ ฉันต้องการแสดงให้คุณเห็นว่าคอร์ดโปรเกรสชันของบาคสามารถช่วยคุณสร้างดนตรีที่แปลกใหม่และน่าสนใจได้อย่างไร นักดนตรีหลายคนประสบกับปัญหาคิดไม่ออก (writers block) และการมีแรงบันดาลใจบางอย่างที่พาเราก้าวข้ามขอบเขตความคุ้นเคยของตนเองนั้นอาจเป็นประโยชน์ นี่คือ 9 ตัวอย่างแรงบันดาลใจจากบทประพันธ์คอราลของบาค คุณสามารถคลิกลิงก์ด้านล่างเพื่อข้ามไปยังแต่ละโปรเกรสชัน โปรเกรสชันคอร์ด ฉันต้องการให้บทความนี้เป็นมิตรต่อผู้อ่าน จึงจะไม่วิเคราะห์โปรเกรสชันของแต่ละคอร์ดอย่างละเอียด แต่จะระบุเพียงคีย์และคอร์ดเท่านั้น ฉันได้ใส่วิธีการเล่นแต่ละคอร์ดทั้งบนกีตาร์และเปียโนไว้ รวมถึงบันทึกเสียงการเล่นคอร์ดเหล่านี้บนเปียโนเพื่อให้คุณได้ฟังและรับรู้ถึงเสียงของมัน วิธีที่ฉันใช้คือการทดลองเล่นกับคอร์ดเหล่านี้และด้นสดในโปรเกรสชันคอร์ดเมเจอร์และไมเนอร์ หากพบโปรเกรสชันคอร์ดที่ชอบ ฉันจะบันทึกไว้เพื่อให้สามารถด้นสดเพิ่มได้ในภายหลัง เมื่อใช้โปรเกรสชันคอร์ดเหล่านี้ ควรระลึกว่าบาคเขียนเพลงโดยใช้คอนเตอร์พอยต์เป็นหลัก (ถ้าต้องการเรียนรู้เพิ่มเติมเกี่ยวกับคอนเตอร์พอยต์ ลองอ่านบทความนี้: Cantus Firmus คืออะไร?) นี่หมายความว่าโปรเกรสชันคอร์ดของเขาบางครั้งจะนำพาไปยังทิศทางที่น่าสนใจ ซึ่งอาจเป็นสิ่งที่คุณกำลังมองหาอยู่! บาคเลือกนำทางด้วยการเชื่อมโยงเสียงแต่ละชั้นแทนที่จะเน้น “โปรเกรสชันคอร์ด” ตามแบบดั้งเดิม โดยใช้แนวทาง “แนวนอนก่อน” แทนที่จะเป็นแนวตั้ง ในขณะที่ดนตรีป็อปและร็อคส่วนใหญ่มักเริ่มจากการหาทำนองแล้วใส่โปรเกรสชันคอร์ดเพื่อสนับสนุนทำนองนั้น คอนเตอร์พอยต์เป็นวิธีการสร้างดนตรีในรูปแบบเลเยอร์ของเมโลดี้ ทั้งสองแนวทางไม่ใช่ว่าอันไหนดีกว่า แต่อย่างน้อยควรเข้าใจทั้งสองแนวทางเพื่อเพิ่มในชุดเครื่องมือการเขียนเพลงของคุณ Bach chord progressions 1 – โปรเกรสชันคอร์ดของบาคจาก BWV 26 นี่คือคอร์ดที่ใช้เล่นบนกีตาร์สำหรับชิ้นงานนี้: นี่คือโปรเกรสชันคอร์ดที่เรียงตามวลี ฉันชอบโปรเกรสชันนี้เพราะมันสร้างความคาดหวังและหลอกล่อผู้ฟังไปพร้อมกัน วลีแรกเป็นโปรเกรสชันที่ชัดเจน…

คุณรู้จักคอร์ดเมเจอร์และไมเนอร์ของคุณและเคยได้ยินเกี่ยวกับคอร์ดลดเสียง (diminished chord) นี้แล้ว แต่ยังไม่แน่ใจว่าจะนำมาใช้ในเพลงของคุณอย่างไร ฉันจะแจกแจงว่า diminished triad คืออะไรและให้ตัวอย่างบางประการว่ามันทำหน้าที่อย่างไรในดนตรี โดยทั่วไปแล้ว คอร์ดลดเสียงมักจะใช้เพื่อสร้างความตึงเครียดและความไม่มั่นคงในดนตรี คอร์ดลดเสียงมักมีเสียงที่ไม่เข้ากัน (dissonant) และ “ต้องการ” ที่จะถูกแก้ไขไปสู่ความกลมกลืน (consonance) ในคีย์เมเจอร์ คอร์ดลดเสียงนี้จะเป็นคอร์ดที่เจ็ด (vii-dim) และในคีย์ไมเนอร์จะเป็นคอร์ดที่สอง (ii-dim) อ่านต่อเพื่อเรียนรู้เพิ่มเติมเกี่ยวกับวิธีการสร้างคอร์ดนี้และการทำงานของมันในดนตรีแบบโทนัล (tonal music) เพื่อไม่ให้บทความนี้ยาวเกินไป ฉันจะไม่ครอบคลุมถึง fully diminished, half diminished หรือ diminished intervals ในบทความนี้ หากคุณสะดวกอ่านเป็นภาษาอังกฤษ กรุณาเยี่ยมชมเว็บไซต์พาร์ทเนอร์ของเรา Global Music Theory เพื่ออ่านบทความฉบับภาษาอังกฤษ การสร้าง diminished triad diminished triad ประกอบด้วยเสียง minor third สองตัวซ้อนกัน (ถ้าคุณไม่รู้ว่า minor third คืออะไร ลองดูบทความเกี่ยวกับ intervals ของฉัน) หรือจะเป็น minor third และ diminished fifth ก็ได้ ตัวอย่างเช่น…

การศึกษาระดับปริญญาตรีสาขาทฤษฎีดนตรีและการประพันธ์เพลง เป็นหนึ่งในประสบการณ์ที่สนุกและเติมเต็มที่สุดในชีวิตของผม ไม่ใช่แค่การพัฒนาทักษะการเล่นดนตรีเท่านั้น แต่ยังเป็นการดื่มด่ำไปในเสียงดนตรี ความคิดสร้างสรรค์ และความเข้มข้นทางวิชาการ เมื่อมองย้อนกลับไปสี่ปีที่ผ่านมานั้น มีหลายช่วงเวลาสำคัญที่หล่อหลอมตัวผมทั้งในฐานะนักประพันธ์และบุคคล ค่ายฝึกดนตรี: เอาตัวรอดในสองปีแรก สองปีแรกของปริญญานั้นให้ความรู้สึกเหมือนอยู่ในค่ายฝึกดนตรี ความเข้มข้นของชั้นเรียนทฤษฎีดนตรีโดยเฉพาะเป็นสาเหตุสำคัญที่ทำให้นักเรียนหลายคนออกกลางคัน การเรียนเริ่มตั้งแต่เวลา 7.00 น. ทุกเช้าวันธรรมดา ในเวลาที่คนส่วนใหญ่อาจเพิ่งตื่น เราก็ต้องเริ่มเข้าสู่การวิเคราะห์ฮาร์โมนี การเขียนคอนตราพอยต์ และการฝึกหูดนตรีแล้ว ตารางเรียนที่เคร่งเครียดนี้ทดสอบทั้งความมีวินัยและความทนทานของเรา หลายคนทนไม่ไหวจนต้องล้มเลิก ผมเรียกมันว่า “ค่ายฝึกดนตรี” เพราะมันรู้สึกเหมือนการฝึกความอึด สำหรับผมแล้ว มันกลับกลายเป็นความท้าทายที่น่าตื่นเต้น ทุกวันเป็นโอกาสในการทำความเข้าใจแนวคิดทฤษฎีที่ซับซ้อน ซึ่งหลายคนอาจไม่เคยได้พบเจอในชีวิต ผมมีความถนัดในด้านทฤษฎีโดยธรรมชาติ ซึ่งอาจเป็นเหตุผลที่ผมเลือกทฤษฎีดนตรีเป็นสาขาวิชาเอก ความยากลำบากที่เราเผชิญด้วยกันนั้นสร้างความสัมพันธ์ระหว่างนักเรียนที่เหลือรอดพ้นจากปีแรก ๆ และเราตระหนักได้ว่าทฤษฎีดนตรีไม่ใช่แค่ข้อกำหนดทางวิชาการ แต่มันคือรากฐานของการแสดงออกทางดนตรีของเรา การสร้างสรรค์ในสภาพแวดล้อมทางวิชาการและความกลัวการเข้าถึงได้ง่าย เมื่อผมก้าวหน้ามากขึ้นในระหว่างการเรียน ผมได้เริ่มเรียนการประพันธ์เพลงตามที่รอคอยมานาน ความกดดันในการสร้างผลงานนั้นชัดเจน แต่ไม่ใช่แค่การแต่งเพลงเท่านั้น ยังมีความคาดหวังที่ไม่พูดถึงว่าดนตรีที่สร้างขึ้นไม่ควร “เข้าถึงได้ง่าย” ผมพบว่านักแต่งเพลงในสถาบันต่าง ๆ มีกฎที่ไม่ได้เขียนไว้ว่า ถ้าดนตรีของคุณถูกใจคนทั่วไปมากเกินไป มันจะไม่ถูกมองว่าเป็นดนตรีที่จริงจัง ความซับซ้อน การแหวกแนว และนวัตกรรม เป็นเครื่องหมายของนักแต่งเพลงที่จริงจัง ถ้าดนตรีของคุณฟังง่ายเกินไป มันจะถูกมองว่าเรียบง่ายและไม่ซับซ้อนพอ สิ่งนี้ทำให้ผมรู้สึกผิดหวัง ความคาดหวังที่ต้องผลักดันขอบเขตการสร้างสรรค์อยู่เสมอนั้นทำให้ผมรู้สึกอึดอัด…

ความคิดที่ว่าดนตรีคือคณิตศาสตร์หรืออย่างน้อยก็มีความเป็นคณิตศาสตร์ เป็นสิ่งที่ผมได้เจออยู่บ่อยครั้งในมหาวิทยาลัยพูดตามตรง แทบทุกสิ่งทุกอย่างสามารถหรือเกี่ยวข้องกับตัวเลขและคณิตศาสตร์ได้ แต่ดนตรีก็มีสิ่งที่น่าสนใจร่วมกับคณิตศาสตร์ คือทั้งคู่ต่างถูกเรียกว่า “ภาษาสากล” ไม่ว่าจะสมควรได้รับสถานะ “สากล” นี้หรือไม่ ก็ยังเป็นเรื่องที่ถกเถียงกันได้ แต่ก็คงมีอะไรบางอย่างที่เชื่อมโยงกันระหว่างดนตรีและคณิตศาสตร์ใช่ไหม? โดยทั่วไปแล้ว ทฤษฎีดนตรี (Music theory) สอดคล้องกับแนวคิดทางคณิตศาสตร์ได้ดีมาก ส่วนที่น่าสนใจของทฤษฎีดนตรีที่ทำงานได้ดีกับคณิตศาสตร์มีดังนี้: ทฤษฎีเซ็ต (Set theory), ทฤษฎีสิบสองเสียง (Twelve-tone theory), สเกล (Scales) และการจูนเสียง (Tunings) ดนตรีไม่ได้มาจากคณิตศาสตร์ แต่การบันทึกตัวเลขและการดำเนินการทางคณิตศาสตร์สามารถใช้บรรยายดนตรีได้อย่างดีเยี่ยม ในบทความนี้ ผมจะพูดถึงวิธีบางอย่างที่คณิตศาสตร์และการบันทึกตัวเลขถูกนำมาใช้ในทฤษฎีดนตรี มีหนังสือจำนวนมหาศาลที่เขียนเกี่ยวกับแต่ละหัวข้อนี้ ดังนั้นโปรดจำไว้ว่าผมกำลังแค่เกริ่นนำเท่านั้น การบันทึกตัวเลข ในกรณีนี้ ผมหมายถึงการใช้ตัวเลขสำหรับวัตถุประสงค์ในการบรรเลงดนตรี ซึ่งหมายถึงดนตรีถูกเขียนออกมาในรูปแบบตัวเลขอย่างน้อยบางส่วน การบันทึกโน้ตดนตรีแบบ Figured bass ตัวอย่างแรกมาจากยุคบาโรก (ประมาณปี 1600) ที่เรียกว่า Figured bass หรือ Thoroughbass ระบบการบันทึกโน้ตนี้น่าสนใจเพราะใช้ทั้งการบันทึกบนบรรทัดห้าเส้นแบบปกติและการบันทึกตัวเลขใต้บรรทัด Figured bass ถูกใช้สำหรับส่วนประกอบดนตรีและเป็นที่แพร่หลายจนถึงยุคคลาสสิก แต่ยังมีนักดนตรีอย่าง Arnold Schoenberg…