การเขียนวิเคราะห์ดนตรีสำหรับคนทั่วไปและนักศึกษาดนตรี

ไม่ว่าคุณจะมีความรู้ทางดนตรีหรือไม่ คุณอาจถูกขอให้เขียนเรียงความหรือบทวิเคราะห์เกี่ยวกับเพลงบางชิ้น หากคุณเป็นนักศึกษาดนตรี (Music Major) หรือกำลังคิดจะศึกษาดนตรีในระดับมหาวิทยาลัย จงเตรียมตัวให้พร้อม! งานนี้อาจดูน่าหนักใจ โดยเฉพาะอย่างยิ่งหากเป็นครั้งแรกที่คุณต้องเขียนเกี่ยวกับดนตรี

บทความนี้เหมาะสำหรับผู้ที่มีความรู้ทางดนตรีเพียงเล็กน้อยไปจนถึงผู้ที่เคยเรียนหลักสูตร ทฤษฎีดนตรี (Music Theory) มาแล้ว ฉันเชื่อว่าเคล็ดลับ ข้อแนะนำ และทรัพยากรที่ฉันให้ไว้จะเป็นประโยชน์สำหรับทุกคนที่ได้รับมอบหมายงานประเภทนี้

อาจารย์หรืออาจารย์ผู้สอนของคุณอาจให้คำแนะนำเกี่ยวกับสิ่งที่พวกเขาคาดหวังจากงานของคุณ ดังนั้นฉันจะพูดถึงหัวข้อในภาพรวมพร้อมทั้งเสนอแนวคิดของฉันเอง อย่าลืมอ้างอิงถึงข้อกำหนดเฉพาะของงานที่ได้รับมอบหมายเสมอ!

การวิเคราะห์ดนตรีควรประกอบด้วยอะไรบ้าง?

ก่อนที่เราจะเข้าสู่ขั้นตอนทีละขั้น ฉันขอสรุปสิ่งที่คิดว่า บทวิเคราะห์ดนตรี (Music Analysis Essay) ส่วนใหญ่ควรประกอบด้วย:

1. ข้อมูลพื้นฐานเกี่ยวกับเพลง (Background of the Music):
   • บริบทที่เพลงนี้ถูกสร้างขึ้น (Context)
   • การแสดงที่มีความสำคัญ (Significant Performances)
2. ข้อมูลพื้นฐานเกี่ยวกับผู้ประพันธ์เพลง (Background of the Composer(s)):
   • ชีวิตและแรงบันดาลใจของผู้ประพันธ์เพลง
3. การวิเคราะห์ทางดนตรี (Musical Analysis):
   • Timbre: ลักษณะของเสียงและโทน
   • Form: โครงสร้างของเพลง
   • Harmony: การใช้คอร์ดและฮาร์โมนี
   • Melody: ท่วงทำนองของเพลง
   • Orchestration: การจัดการเครื่องดนตรีในเพลง
   • Composition Techniques: เทคนิคที่ใช้ในการประพันธ์
4. ความคิดเห็นและข้อสรุปของคุณเอง (Your Own Ideas and Conclusions):
   • การตีความส่วนตัวของคุณเกี่ยวกับเพลง

แล้วคุณจะเริ่มวิเคราะห์ดนตรีอย่างไร?

ฉันได้วางขั้นตอนบางอย่างเพื่อช่วยให้คุณเริ่มต้นไว้ด้านล่างนี้

ขั้นตอนที่ 1: ทำความรู้จักกับเพลง

ก่อนเริ่มเขียน คุณควรฟังเพลงหลายครั้ง
(Before writing, you should listen to the music many times)

การฟังแต่ละครั้งควรมีจุดมุ่งหมายที่แตกต่างกัน ฉันแนะนำให้ฟังอย่างน้อย 5 ครั้ง และในแต่ละครั้งควรเน้นสิ่งต่อไปนี้:

1. ฟังและเขียนสิ่งที่เพลงทำให้คุณรู้สึกหรือจินตนาการ

• เพลงพาคุณไปสู่ความรู้สึกอะไร?
• ทำให้คุณนึกถึงวัยเด็กหรือเหตุการณ์บางอย่างไหม?
• จดบันทึกสิ่งที่เพลงทำให้คุณรู้สึก และพยายามอธิบายว่าทำไมถึงรู้สึกเช่นนั้น
• เป็นเพราะ ทำนอง (Melody) ใช่ไหม?
• หรือเพราะจังหวะ (Rhythm) หรือเครื่องดนตรีใดเครื่องดนตรีหนึ่ง?

2. ฟังเพื่อสังเกตเครื่องดนตรี (Instrumentation)

• มีเครื่องดนตรีอะไรบ้าง?
• เครื่องดนตรีเหล่านั้นเล่นตลอดเวลาหรือเปล่า?
• มีการใช้เครื่องดนตรีในรูปแบบใดที่น่าสนใจ?
• เป็นเครื่องดนตรีดั้งเดิม (Traditional Instruments) หรือเป็นเครื่องดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ทั้งหมด?

3. ฟังเพื่อสังเกตไดนามิก (Dynamics)

• คุณสามารถใช้เส้นบนกระดาษเพื่อบอกถึงรูปแบบของไดนามิกได้
• เพลงเริ่มด้วยเสียงเบาและยังคงเบาตลอดทั้งเพลงไหม?
• หรือมีการเปลี่ยนแปลงเสียงดัง-เบา?

4. ฟังเพื่อสังเกตจังหวะ (Rhythm)

• คุณได้ยินจังหวะแบบไหน?
• จังหวะมีความสม่ำเสมอหรือเปลี่ยนแปลงในบางจุดไหม?
• มีจังหวะแบบซ้อนกัน (Polyrhythms) หรือเปล่า?

5. ฟังเพื่อสังเกตเมเทอร์ (Meter) และเทมโป (Tempo)

• คุณสามารถระบุเมเทอร์ได้ไหม? (เช่น 4/4, 3/4)
• เพลงมีการเร่งความเร็วหรือช้าลงในบางช่วงไหม? หากมี เกิดขึ้นในส่วนใดของเพลง?

6. สเก็ตช์สิ่งที่คุณคิดว่าเพลงดูเหมือน (Visualize the Music)

• หลังจากฟังครบ 5 ครั้ง ลองวาดภาพสิ่งที่คุณคิดว่าเพลงแสดงออกมา
• ใช้สี รูปทรง ตัวอักษร หรืออะไรก็ตามที่ช่วยถ่ายทอดสิ่งที่คุณรับรู้จากเพลงบนกระดาษแผ่นเดียว

7. อ่านสกอร์หรือโน้ตเพลง (Get the Score)

• เพื่อทำความเข้าใจเพลงอย่างแท้จริง คุณควรอ่านสกอร์ (Score) หรือเวอร์ชันโน้ตเขียนของเพลง
• การดูโน้ตจะช่วยให้คุณเห็นรายละเอียดที่คุณอาจไม่ได้ยิน
• หากคุณมีหูที่ดี คุณอาจลองถอดโน้ตเพลงเองก็ได้

การฟังและทำความเข้าใจกับเพลงในเชิงลึกนี้ จะเป็นพื้นฐานที่สำคัญสำหรับการวิเคราะห์ดนตรีอย่างละเอียดในขั้นตอนถัดไป

ขั้นตอนที่ 2: ทำความรู้จักกับผู้ประพันธ์เพลง

ไม่ว่าคุณจะเขียนเกี่ยวกับ Adele หรือ Bartók คุณควรศึกษาข้อมูลพื้นฐานเกี่ยวกับผู้ประพันธ์เพลง
การมีความรู้เกี่ยวกับผู้ประพันธ์เพลงช่วยเพิ่มความลึกซึ้งและสีสันให้กับงานเขียนของคุณ ต่อไปนี้คือสิ่งสำคัญที่ควรรู้:

สิ่งที่ควรศึกษาขั้นพื้นฐาน:

1. ชื่อเต็ม (Full Name)
2. วันเดือนปีเกิด (Date of Birth)
3. วันเดือนปีที่เสียชีวิต (Date of Death) (ถ้ามี)
4. ประวัติด้านดนตรี/อาชีพ (Musical Background/Career):
   • เริ่มต้นเรียนดนตรีอย่างไร
   • มีเส้นทางอาชีพในวงการดนตรีอย่างไร
5. ผลงานอื่น ๆ (Other Works):
   • เพลงหรือผลงานเด่นอื่น ๆ
6. เอกลักษณ์ทางดนตรี (Musical “Trademarks”):
   • มีลักษณะเด่นอะไรที่ทำให้เพลงของพวกเขาแตกต่าง
7. สถานที่ที่เคยอาศัยหรือทำงาน (Where They Live(d)):
   • สภาพแวดล้อมที่อาจมีผลต่อการสร้างสรรค์ผลงาน

การใช้ข้อมูลให้มีชีวิตชีวา:

เมื่อคุณได้ข้อมูลเหล่านี้แล้ว อย่าเพียงแค่ลิสต์เป็นข้อ ๆ แต่พยายามนำข้อมูลมาแทรกในย่อหน้าเพื่อเพิ่มชีวิตชีวาให้กับงานเขียนของคุณ

แหล่งข้อมูลที่แนะนำ:

• บทสัมภาษณ์ใน YouTube:
  • เป็นแหล่งที่ดีสำหรับการค้นหาคำพูดจากผู้ประพันธ์เพลงในมุมมองของพวกเขาเอง
• สารคดีใน YouTube:
  • เหมาะสำหรับการได้รับภาพรวมอย่างรวดเร็วเกี่ยวกับชีวิตและผลงาน
• เว็บไซต์ทางการของผู้ประพันธ์เพลง (Composer Websites):
  • มักเป็นแหล่งข้อมูลที่ถูกคัดสรรมาอย่างดีโดยผู้ประพันธ์เพลงเอง
• เว็บไซต์ของแฟนคลับ (Fan Websites):
  • บางครั้งอาจมีข้อมูลที่หายากหรือมุมมองที่น่าสนใจ
• หนังสือเกี่ยวกับผู้ประพันธ์เพลงหรือที่เขียนโดยพวกเขา (Books):
  • หากคุณมีเวลาศึกษา หนังสือเป็นแหล่งข้อมูลที่ลึกซึ้งที่สุด

สรุป: การรู้จักผู้ประพันธ์เพลงช่วยให้คุณเข้าใจบริบทของเพลงและเพิ่มความน่าสนใจให้กับบทวิเคราะห์ของคุณมากขึ้น!

ขั้นตอนที่ 3: วางเพลงในบริบท

ไม่มีอะไรเกิดขึ้นอย่างโดดเดี่ยว ดังนั้นคุณควรค้นหาว่าเพลงนี้มีความเกี่ยวข้องในบริบทใด
(Nothing exists in a bubble, so figure out where this music fits in.)

สามมิติที่ควรสำรวจ:

1. ยุคสมัย (Time Era):
   • เพลงถูกเขียนขึ้นเมื่อไหร่? ยุคสมัยนั้นเป็นอย่างไร?
   • เป็นยุคของม้าและรถลาก หรือยุคของรถ Tesla?
   • สภาพสังคมและวัฒนธรรมในเวลานั้นส่งผลต่อเพลงอย่างไร?
   • ผู้ประพันธ์เพลงเป็นส่วนหนึ่งของขบวนการดนตรีหรือศิลปะใดเป็นพิเศษหรือไม่?
2. ภูมิศาสตร์ (Geography):
   • ผู้ประพันธ์เพลงอาศัยอยู่ที่ไหน และเขียนเพลงนี้ในสถานที่ใด?
     • เป็นชนบทในฝรั่งเศส เกาะห่างไกลของออสเตรเลีย หรือเมือง Austin, Texas?
   • สถานที่เหล่านั้นมีผลต่อดนตรีอย่างไร? เช่น บรรยากาศทางธรรมชาติ วัฒนธรรมท้องถิ่น หรือความเงียบสงบ
3. ตำแหน่งของเพลงในผลงานของผู้ประพันธ์ (Position Within Their Works):
   • เพลงนี้ถูกเขียนขึ้นในช่วงไหนของอาชีพผู้ประพันธ์?
     • ฟังเพลงชิ้นแรกสุดของผู้ประพันธ์ (หรือชิ้นที่หาได้) และเปรียบเทียบกับเพลงนี้ มีความเหมือนหรือแตกต่างกันอย่างไร?
     • ฟังเพลงชิ้นสุดท้ายที่ผู้ประพันธ์สร้างขึ้น มีความเหมือนหรือแตกต่างกับเพลงนี้ในแง่ใดบ้าง?
   • เพลงนี้เกิดขึ้นในช่วงชีวิตใดของผู้ประพันธ์?
   • เป็นช่วงที่ผ่านการเลิกรา การเสียชีวิตของลูก หรือเพิ่งได้รับรางวัลใหญ่?
   • ผู้ประพันธ์กำลังพยายามสื่ออะไรในเพลงนี้อย่างชัดเจนหรือไม่?

การเพิ่มมิติให้การวิเคราะห์:

ด้วยข้อมูลเหล่านี้ คุณจะสามารถเพิ่มความลึกให้กับบทวิเคราะห์ของคุณ และช่วยให้ผู้อ่านเข้าใจบริบทของเพลงในมิติที่กว้างและลึกยิ่งขึ้น

ขั้นตอนที่ 5: โครงสร้างของเพลง

โครงสร้างเพลงในแต่ละประเภท/แนวดนตรีมีลักษณะเฉพาะของตัวเอง
(Every type/genre of music has its own musical structures)

ตัวอย่างโครงสร้างเพลงที่อาจพบในบทเพลงของคุณ:

1. Strophic Form:
   • รูปแบบไบนารีที่พิเศษ โดยท่อนทั้งหมด (เช่น Verse) จะร้องในทำนองเดียวกัน
   • อาจระบุเป็น A Section และ B Section หรือ Verse และ Chorus
2. Ternary Form:
   • ครงสร้างสามส่วน เช่น ABA
3. Theme and Variations:
   • เริ่มต้นด้วยธีม (Theme) และตามด้วยการเปลี่ยนแปลงต่าง ๆ
4. Through Composed:
   • ดนตรีไม่มีการทำซ้ำส่วนเดิม เช่นเพลง Bohemian Rhapsody
5. Sonata Form:
   • โครงสร้างนี้มีหลากหลายรูปแบบ ควรศึกษารายละเอียดเพิ่มเติมหากต้องวิเคราะห์เพลงในโครงสร้างนี้
6. Chance Music (ดนตรีโอกาส):
   • รูปแบบที่ไม่ตายตัว ขึ้นอยู่กับการตัดสินใจหรือองค์ประกอบที่สุ่ม

โครงสร้างในดนตรีโทนัล (Tonal Music):

ในดนตรีตะวันตกส่วนใหญ่ มีสัญญาณหลายอย่างที่ช่วยให้เรารู้ว่าเพลงมีโครงสร้างอย่างไร

• เนื้อร้อง (Lyrics): ลวดลายของเนื้อร้องสามารถบ่งบอกโครงสร้างของเพลงได้
• องค์ประกอบหลัก (Melodic, Rhythmic, and Harmonic Cues):
• ทำนอง (Melody): การสิ้นสุดของวลีดนตรีมักแสดงด้วยการเคลื่อนที่ลงสู่ โทนิก (Tonic)
• จังหวะ (Rhythmic): วลีมักจบลงด้วยโน้ตที่ยาว
• ฮาร์โมนี (Harmony): จบลงบนคอร์ดโทนิก

ตัวอย่างจากเพลง Hello ของ Adele:

เพลงนี้แสดงสัญญาณที่บ่งบอกว่าวลีหนึ่งจบลงอย่างชัดเจน เช่น:

1. ทำนอง (Melody): เคลื่อนลงและจบลงที่โทนิก
2. จังหวะของทำนอง (Melodic Rhythm): จบด้วยโน้ตยาว
3. ฮาร์โมนี (Harmony): ลงท้ายด้วยคอร์ดโทนิก

การเข้าใจโครงสร้างเหล่านี้ช่วยเพิ่มความลึกซึ้งให้กับการวิเคราะห์ดนตรีของคุณ และช่วยให้คุณถ่ายทอดความคิดออกมาได้อย่างเป็นระบบ

กุญแจสำคัญในการวิเคราะห์โครงสร้างดนตรี
(The key to analyzing musical structure)

การวิเคราะห์โครงสร้างดนตรีเริ่มต้นด้วยการค้นหา ส่วนสำคัญหลัก (Major Sections) ของเพลงและพิจารณาว่าผู้ประพันธ์เพลงจัดวางส่วนเหล่านี้อย่างไร และแต่ละส่วนมีความเกี่ยวข้องกันในลักษณะใด

คำถามสำคัญที่ควรพิจารณา:

• เพลงแบ่งออกเป็นกี่ส่วน?
• ส่วนต่าง ๆ มีความสัมพันธ์กันอย่างไร?
• เช่น ทำนองหรือจังหวะของส่วนหนึ่งถูกนำไปใช้ซ้ำในอีกส่วนหรือไม่?
• การเปลี่ยนผ่านระหว่างส่วนเป็นอย่างไร?

ขั้นตอนพื้นฐานที่ควรรู้:

แม้ว่าการวิเคราะห์ในส่วนนี้จะมีรายละเอียดมากมายที่คุณสามารถใส่ลงไปได้ แต่สิ่งที่สำคัญที่สุดคือคุณต้องเข้าใจ โครงสร้างพื้นฐานของเพลง (Basic Structure of the Piece) ก่อน เช่น

• เพลงมีรูปแบบ ABA, Verse-Chorus, หรือรูปแบบอื่น ๆ?
• การเคลื่อนที่ระหว่างแต่ละส่วนเกิดขึ้นอย่างราบรื่นหรือมีความแตกต่างชัดเจน?

การเข้าใจโครงสร้างโดยรวมช่วยให้คุณสามารถอธิบายวิธีที่ผู้ประพันธ์เพลงจัดองค์ประกอบของเพลงได้อย่างชัดเจน และช่วยเพิ่มความลึกให้กับบทวิเคราะห์ของคุณ!

ขั้นตอนที่ 6: วิเคราะห์โน้ตเพลง (The Notes)

หลังจากเข้าใจโครงสร้างเพลงแล้ว ขั้นตอนถัดไปคือการวิเคราะห์ทำนอง (Melody), ฮาร์โมนี (Harmony), การเน้นเสียง (Articulation), และไดนามิก (Dynamics)
(After the structure is understood, getting a handle on the melody, harmony, articulation, and dynamics is the next step.)

คุณสามารถวิเคราะห์ในระดับลึกหรือตื้นได้ตามต้องการ ต่อไปนี้คือองค์ประกอบพื้นฐานในแต่ละด้านที่ควรเน้น:

---

1. ทำนอง (Melody):

การวิเคราะห์วลี (Phrasal Analysis):

• วลี (Phrase):
  • วลียาวแค่ไหน?
  • วลีแต่ละอันเกี่ยวข้องกันอย่างไร?
    • มีการ ทรานสโพส (Transposed), อินเวิร์ชัน (Inverted), หรือ รีโทรเกรด (Retrograded) หรือไม่?
  • ทำไมสิ่งนี้จึงสำคัญ?
    • การวิเคราะห์ช่วยให้คุณเข้าใจว่าอะไรที่ทำให้เพลงสื่อสารได้อย่างทรงพลัง

ตัวอย่างการวิเคราะห์ทำนอง:

ตัวอย่างจาก Minuet No. 1 ใน G Major โดย Mozart:

• กล่องสีชมพู (Pink Dashed Box):
  • แสดง หน่วยทำนองหลัก (Prime Melodic Unit): โน้ต 2 ตัว Eighth Notes เคลื่อนลงไปที่โน้ต Quarter Noteโดยมีเครื่องหมาย Slur
• วลีที่ 1 (Phrase #1 – สีแดง):
  • ประกอบด้วย 2 วลีสั้น (Short Phrases) ที่สร้าง Descending Sequence
• วลีที่ 2 (Phrase #2 – สีน้ำเงิน):
  • ใช้หน่วยทำนองหลักซ้ำแบบ Back-to-Back แต่สั้นลง
  • วลีที่ 2 ในห้องที่ 8 (Measure 8) จบด้วยคอร์ด Dominant (V) เป็น Half Cadence
• วลีที่ 1b:
  • เริ่มด้วยหน่วยทำนองหลัก แต่ ทรานสโพสลง (Transposed Down) หนึ่ง Sixth จากห้องที่ 1
• วลีที่ 2b:
  • เริ่มเหมือนวลี 2a แต่ ทรานสโพสลง (Transposed Down) หนึ่ง Perfect Fifth
• ลูกศรสีเขียว (Green Arrows):
  • แสดงจุดเปลี่ยนทิศทางของทำนองในวลีเดียวกัน
• วลีที่ 2b จบลงด้วยโทนิก (Tonic) เป็น Perfect Cadence:
  • จบสมบูรณ์ก่อนเข้าสู่ B Section

ฮาร์โมนี (Harmony):

หากคุณเป็นนักศึกษาดนตรี คุณควรลองทำ การวิเคราะห์ตัวเลขโรมัน (Roman Numeral Analysis) อย่างเต็มรูปแบบ ในบางเพลง ฮาร์โมนีสามารถเผยให้เห็นถึงโครงสร้างและลวดลายที่ช่วยเชื่อมโยงชิ้นงานเข้าด้วยกัน

อย่างไรก็ตาม ควรระวังว่าเพลงบางประเภทไม่ได้ให้ความสำคัญกับฮาร์โมนีมากนัก เช่น ครั้งหนึ่งฉันเคยวิเคราะห์เพลงไทยดั้งเดิม พบว่าเพลงนั้นใช้เพียงสองฮาร์โมนี คือ I (Tonic) และ V (Dominant) โดยสลับไปมา ในกรณีนี้ ตัวเลขโรมันช่วยแสดงให้เห็นว่าฮาร์โมนีไม่ได้เป็นองค์ประกอบหลักที่ผู้ประพันธ์ใช้ในการสร้างโครงสร้างของเพลง

ในดนตรีโทนัลส่วนใหญ่ ฮาร์โมนีมีความสำคัญมาก แต่สิ่งที่ควรเน้นคือจุดที่ฮาร์โมนีสร้างความน่าสนใจ มากกว่าการไล่เรียงคอร์ดโดยไม่มีจุดประสงค์

สิ่งที่ควรมองหาในฮาร์โมนี:

1. จังหวะฮาร์โมนิก (Harmonic Rhythm): ความถี่ในการเปลี่ยนคอร์ด
2. จุดจบของวลี (Cadences): Half Cadence, Perfect Cadence ฯลฯ
3. การทำซ้ำของโปรเกรสชัน (Repetitions in Progressions):

• มีการทำซ้ำหรือปรับเปลี่ยนโปรเกรสชันอย่างไร?

1. ลำดับคอร์ด (Sequences): การเปลี่ยนแปลงในรูปแบบซ้ำ ๆ ของคอร์ด
2. การเปลี่ยนคีย์ (Modulations/Key Changes): เพลงย้ายไปยังคีย์อื่นหรือไม่?
3. การคาดเดาที่ถูกพลิก (Surprises):

• ผู้ประพันธ์ใช้คอร์ดที่ไม่คาดคิดเพื่อสร้างผลกระทบอะไรหรือไม่?

---

การเน้นเสียง (Articulation):

การเน้นเสียงเป็นองค์ประกอบที่ช่วยเสริมประสบการณ์ในการฟังเพลง แม้ว่าจะไม่ได้เป็นส่วนสำคัญของโครงสร้าง แต่ก็มีบทบาทที่สำคัญในระดับผิวของดนตรี

รูปแบบการเน้นเสียงที่พบบ่อย:

• Legato: เล่นโน้ตให้เรียบเนียนและเชื่อมต่อกัน
• Staccato: เล่นโน้ตให้สั้นกว่าค่าจังหวะที่กำหนด
• Tenuto: กดโน้ตค้างไว้เต็มค่าจังหวะ
• Marcato: เล่นโน้ตให้ดังและหนักแน่น
• Accent: เล่นโน้ตโดยเน้นจังหวะในตอนเริ่มต้น

---

ไดนามิก (Dynamics):

ไดนามิกเป็นเครื่องมือสำคัญที่ผู้ประพันธ์ใช้สื่อสารอารมณ์และสร้างความตื่นเต้นให้กับผู้ฟัง

คำศัพท์พื้นฐานเกี่ยวกับระดับเสียง:

• Fortissimo (ff): ดังมาก
• Forte (f): ดัง
• Mezzo Forte (mf): ค่อนข้างดัง
• Mezzo Piano (mp): ค่อนข้างเบา
• Piano (p): เบา
• Pianissimo (pp): เบามาก

คำศัพท์สำหรับการเปลี่ยนแปลงไดนามิก:

• Crescendo: ค่อย ๆ ดังขึ้น
• Decrescendo: ค่อย ๆ เบาลง
• Diminuendo: ค่อย ๆ เบาลง
• Subito Piano: ลดระดับเสียงทันทีไปยังระดับ Piano
• Sforzando (sfz): เล่นโน้ตให้ดังทันที

ขั้นตอนที่ 7: เทคนิคการประพันธ์ (Compositional Techniques)

ไม่ว่าจะเป็น Bon Iver หรือ Bach ผู้ประพันธ์เพลงใช้เทคนิคการประพันธ์เพื่อแสดงออกทางดนตรี

แต่ละแนวเพลง ผู้ประพันธ์ ยุคสมัย และสถานที่ทางภูมิศาสตร์ล้วนมีชุดเทคนิคการประพันธ์ที่เป็นเอกลักษณ์ของตัวเอง ต่อไปนี้คือตัวอย่างเล็ก ๆ ของเทคนิคที่พบบ่อย แม้ว่าจะมีเทคนิคอื่น ๆ อีกมากมายที่ไม่ได้กล่าวถึงในที่นี้:

---

1. Chance (ดนตรีแบบโอกาส):
   • เทคนิคนี้สร้างกฎเกณฑ์แล้วปล่อยให้ “โอกาส” สร้างแนวคิดทางดนตรี ตัวอย่างเช่น:
   • ใช้ลูกเต๋า (Dice):
     • ทุกครั้งที่ทอยได้ “1” เขียนโทนิก (Tonic) ของคีย์
     • ทอยอีกครั้งเพื่อกำหนดค่าจังหวะ (Rhythmic Value)
     • ทอยอีกครั้งเพื่อกำหนดการเน้นเสียง (Articulation)
   • วิธีนี้สามารถดำเนินต่อไปจนกว่าคุณจะสร้างชิ้นงานเสร็จ
2. Repetition (การทำซ้ำ):
   • อธิบายตัวเองง่าย ๆ: การทำซ้ำบางส่วนของเพลง
3. Sequence (ลำดับซ้ำ):
   • นำทำนองหรือบางส่วนของเพลงมาซ้ำอีกครั้ง แต่ปรับเปลี่ยนด้วยการ ทรานสโพส (Transposing) ขึ้นหรือลง โดยปกติจะทำซ้ำอย่างน้อย 3 ครั้งหรือมากกว่า
4. Pedal Tones และ Bell Tones:
   • Pedal Tone:
     • โน้ตต่ำที่เล่นซ้ำไปเรื่อย ๆ ในขณะที่ส่วนอื่นเปลี่ยนแปลง
   • Bell Tone:
     • โน้ตสูงที่เล่นซ้ำไปเรื่อย ๆ ในขณะที่ส่วนอื่นเปลี่ยนแปลง
5. Textures (ลักษณะพื้นผิวดนตรี):
   • คิดถึงดนตรีที่ ซับซ้อน (Complex) เทียบกับ เรียบง่าย (Simple)
6. Counterpoint (การเคลื่อนที่แบบหลายทำนอง):
   • การซ้อนทับทำนองหลายชั้นที่ปฏิบัติตามกฎของการเชื่อมโยงเสียง (Voice Leading) อย่างรอบคอบ
7. Range (ช่วงเสียง):
   • ช่วงเสียงตั้งแต่ต่ำ (Low) ไปจนถึงสูง (High) รวมถึงระดับเสียงที่อยู่ระหว่างกลาง

ขั้นตอนที่ 8: ร่างโครงสร้างเรียงความ (Outline the Essay)

ตอนนี้เมื่อคุณรู้จักเพลง ผู้ประพันธ์ บริบท และองค์ประกอบดนตรีเฉพาะของเพลงแล้ว ก็ถึงเวลาร่างโครงสร้างของสิ่งที่คุณจะเขียนเกี่ยวกับเพลงนี้

วิธีการหนึ่งที่ใช้ในการนำเสนอการวิเคราะห์ดนตรีคือเริ่มจาก มุมมองกว้าง (Wide) และค่อย ๆ ซูมเข้า (Zoom In) ในแต่ละย่อหน้า เปรียบเสมือนการเปิดฉากภาพยนตร์ที่กล้องเริ่มจาก ภาพกว้าง (เช่น ดาวเคราะห์ ทวีป ประเทศ หรือเมือง) และค่อย ๆ เคลื่อนเข้าไปจนถึงย่าน บ้าน หรือแม้กระทั่งตัวละครหลัก

เราสามารถใช้วิธีเดียวกันนี้ในการเขียนบทวิเคราะห์ดนตรีได้ ตัวอย่างโครงสร้างต่อไปนี้มาจากเรียงความที่ฉันเขียนเกี่ยวกับ Alfred Schnittke – Concerto Grosso No. 1:

โครงร่างเรียงความแบบ 5 ย่อหน้า

บทนำ:

• มุมมองกว้างเกี่ยวกับบริบทของผู้ประพันธ์เพลง ยุคสมัย สถานที่ และการแสดง
• แนะนำ Polystylism ในฐานะเทคนิคการประพันธ์ที่เป็น “ตัวเอก” ของบทความ เริ่มจากมุมมองกว้าง อธิบายว่า Polystylism คืออะไร และยกตัวอย่างการใช้เทคนิคนี้ในผลงานอื่น ๆ
• แนะนำ Schnittke และบริบทส่วนตัวของเขา
• กล่าวถึงเพลงที่เป็นหัวข้อ และระบุสไตล์บางส่วนที่จะพบในเพลง
• สรุปด้วยวิทยานิพนธ์ของบทความ (ปัญหาของเรื่อง): การวิเคราะห์วิธีการใช้ Polystylism อย่างประสบความสำเร็จผ่านความกลมกลืน (Consonance) และความไม่กลมกลืน (Dissonance)

ย่อหน้าที่ 1:

• วิเคราะห์ Polystylism ในโครงสร้างทั้งหมดของเพลง
• กล่าวถึงจำนวนครั้งที่มีการเปลี่ยนแปลงสไตล์ในเพลง
• นำเสนอกราฟหรือแผนภูมิที่แสดงการผสมผสานของสไตล์ต่าง ๆ
• ระบุจุดไคลแมกซ์ของเพลงและสิ่งที่เกิดขึ้นในช่วงนั้น

ย่อหน้าที่ 2:

• ซูมเข้าไปที่ทั้งส่วนที่มีการเปลี่ยนแปลงสไตล์
• ยกตัวอย่างจากส่วนต่าง ๆ ที่แสดงการเขียนเพลงในสไตล์ที่แตกต่างกัน เช่น:
• ในช่วง Baroque: แสดงการใช้ Counterpoint
• ในช่วง Contemporary: แสดง Extended Piano Techniques

ย่อหน้าที่ 3:

• ซูมเข้าไปที่รายละเอียดของโน้ต การเน้นเสียง (Articulations), การจัดวางเครื่องดนตรี (Orchestration), และการเชื่อมโยงเสียง (Voice Leading) ในช่วงที่เปลี่ยนแปลงสไตล์
• อภิปรายว่ามีอะไรเกิดขึ้นในดนตรีช่วงการเปลี่ยนแปลงสไตล์ เช่น การใช้เครื่องดนตรี ลักษณะพื้นผิว (Textures), ไดนามิก (Dynamics), และภาษาฮาร์โมนิก (Harmonic Language)

บทสรุป:

• สรุปเทคนิคเฉพาะที่ Schnittke ใช้ในการเปลี่ยนผ่านระหว่างสไตล์
• กล่าวถึงองค์ประกอบบริบทที่สนับสนุนเพลงนี้
• หากผู้ประพันธ์คนอื่นต้องการใช้เพลงนี้เป็นกรณีศึกษา จะสามารถสกัดเทคนิค Polystylism ของ Schnittke ออกมาอย่างไร?